Emerson, Lake & Palmer - Pictures at an Exhibition - 1970 (DVD Special Edition - 2010)

Cuadros de una exposición, obra compuesta por Modest Músorgski es una de mis Obras de Arte Musicales preferidas. En inglés su nombre es Pictures at an Exhibition.

Amo la versión de Emerson, Lake & Palmer de Pictures at an Exhibition no porque sea la mejor versión, sino porque es única. Porque si no la hubiera escuchado en mi adolescencia no hubiera visto las posibilidades de la música clásica en un entorno de vida real. Porque después de haber escuchado más de cincuenta versiones orquestales y pianísticas impecables, además de la música de Modest Músorgski en particular, y haber estudiado su vida, entendí que el espíritu del autor estaba más presente en esta versión que en muchas versiones clásicas.

La versión que origina la reseña es la edición de 2010, lanzada en ocasión de cumplirse 40 años de la actuación de la banda en el Lyceum Theatre de Londres, el 9 de diciembre de 1970. Una versión diferente fue grabada para un álbum en vivo en Newcastle a principios de 1971, que es la que se editó en vinilo originalmente y luego en CD.  La versión cinematográfica fue finalmente estrenada en cines en 1973 y ha tenido breves versiones anteriores en VHS y DVD. Esta nueva edición especial, cuarenta años después de cuando fue originalmente filmada, tiene la versión más completa de la película disponible y se presenta con el mejor sonido posible, la calidad de la imagen es excelente, con los efectos psicodélicos de los años ‘70 originales. 

Tiene como bonus una presentación filmada en Suiza el 4 de Diciembre de 1970 y transmitida en 1971 en el programa Pop Music (AKA Pop Shop), de la TV de Bélgica.

Promenade (Paseo)

Estuve pensando mucho tiempo cuál disco de Emerson, Lake & Palmer reseñar como introducción de la banda en el Blog.
Cierto es que está la reseña de Tarkus, pero no en versión original de ellos, aunque se habla extensamente del grupo en ella.

Después de escuchar una y otra vez su amplia discografía, y ver todo lo editado en video, me decidí por este disco porque representa el principio de la banda, donde se reúnen temas de su primer disco (Emerson, Lake & Palmer, de 1970) y se ve su clara determinación por fusionar el rock y la música clásica, al encarar una obra de Modest Músorgski, según el arreglo orquestal de Maurice Ravel.

Para los que no conocen a esta banda les comento brevemente que Emerson, Lake & Palmer, también conocido como ELP, era una banda británica de rock progresivo formada en 1970,  que alcanzó su mayor popularidad en los años subsiguientes, con ventas superiores a 35 millones de discos y realizando multitudinarios conciertos. 
Estaba integrada por:
     

Keith Emerson (órgano, piano, sintetizador y otros teclados)
  

Greg Lake (bajo, guitarra y voz)

Carl Palmer (batería y percusión)

Lista de temas

Pictures At An Exhibition

 1  Promenade     

 2  The Gnome    

 3  Promenade     

 4  The Sage

 5  The Old Castle

 6  Blues Variation

 7  Promenade     

 8  The Hut Of Baba Yaga   

 9  The Curse Of Baba Yaga

10  The Hut Of Baba Yaga   

11  The Great Gates Of Kiev

-

12  Take A Pebble

13  Knife Edge     

14  Rondo    

-

Pop Shop 1971

15  Interview 

16  Rondo    

17  Nutrocker

18  Take A Pebble

19  Knife Edge     

20  Blues Jam / Nutrocker

Letras de  – Dik Fraser (en Knife-Edge), Greg. Lake

Productor – Greg Lake

Pistas de la edición en vinilo

* indica autor 

                    

A1   Promenade

Escrita por – Mussorgsky*

A2   The Gnome

Escrita por – Palmer*, Mussorgsky*

A3   Promenade

Escrita por – Lake*, Mussorgsky*

A4   The Sage

Escrita por – Lake*

A5   The Old Castle

Escrita por – Emerson*, Mussorgsky*

A6   Blues Variation

Escrita por – Palmer*, Lake*, Emerson*

B1   Promenade

Escrita por – Mussorgsky*

B2   The Hut Of Baba Yaga

Escrita por – Mussorgsky*

B3   The Curse Of Baba Yaga

Escrita por – Palmer*, Lake*, Emerson*

B4   The Hut Of Baba Yaga

Escrita por – Mussorgsky*

B5   The Great Gates Of Kiev

Escrita por – Lake*, Mussorgsky*

B6   The End  

B7   Nutrocker

Arreglos de – Palmer*, Lake*, Emerson*

Escrita por – Kim Fowley

Contrario a la imagen que tenemos muchos de nosotros de ELP, actuando en grandes estadios, aquí los vemos en un teatro y en un pequeño club, ante un grupo de gente sentada, de manera juiciosa, expectante y asombrada ante estos nuevos sonidos, que aplaude al final de cada tema, como hace el público culto. Es netamente una clase de público de jazz, y no el fanático del rock que fue después su audiencia masiva.

No hay Moogs modulares de 10 pies de altura, pianos que giran en el aire ni sintetizador de batería (no se inventaría hasta Brain Salad Surgery). Tampoco efectos especiales, salvo los efectos psicodélicos e imágenes de cómics que fueron agregados después por el realizador de la película. 

Junto a la pieza de Modest Músorgski, ELP también tocó "Take a Pebble" y "Knife Edge" que eran de su álbum debut homónimo, lanzado sólo un mes antes de este espectáculo. Esta fue una de las primeras interpretaciones de cualquiera de

estas canciones, y está claro al ver el video que las canciones eran nuevas para la banda. También tocaron "Rondo", que fue arruinado por los efectos psicodélicos. No se puede ver mucho de Carl Palmer durante su solo de batería que no sean sus baquetas. Los efectos psicodélicos hicieron imposible ver el órgano Hammond de Emerson cuando lo inclinó y lo sacudió, lo tocó al revés, ni apreciar su marca registrada: los rápidos glissandos. Greg Lake fue completamente oscurecido por estos efectos, y era imposible decir que estaba allí.

El segmento Pop Shop fue mejor, ya que no hay tantos efectos psicodélicos. Se incluye un blues jam completamente diferente a cualquier cosa que ELP había hecho, con excelente actuación de Lake. También hubo una breve entrevista de la banda durante este segmento.  

Desafortunadamente, falta "The Barbarian", que está disponible en el DVD Masters from the Vaults, que es toda la película "Pop Shop", pero no con tan buena calidad de video. 

En el DVD "Pictures ... (Edición Especial)" las pistas "Entrevista" y "Blues Jam / Nutrocker " están separadas, pero en "Emerson, Lake & Palmer ‎– Masters From The Vaults": los clips de la entrevista son después de "The Barbarian" y el "Blues Jam ..." es el bis después de "Knife Edge".

Por cierto, "Knife Edge" y "Rondo" de esta película también están incluidos en el DVD "Emerson, Lake & Palmer ‎– Beyond The Beginning".

ELP - Full Concert - Live in Zurich 1970 - Remastered (Belgium Pop Shop) 

Bonus Track: ELP - The Barbarian - Live in Zurich 1970 - Remastered (Belgium Pop Shop)

Por último, hay un emocionante ensayo escrito por el periodista de rock inglés Malcolm Dome, en el que escribe sobre sus músicos favoritos de la infancia. En un punto, él cita a Emerson que dijo, "Es muy gratificante aprender que varios maestros de escuela, cuando introducen música clásica a una clase joven, tocarán una versión de ELP y después la analizarán contra la pieza clásica original ". (Ver cita )

En esta fecha se cumple un año de la muerte de Keith Emerson. Aunque Wikipedia en castellano dice que murió el 10 de marzo de 2016, mientras que la versión en inglés dice que fue el 11 de marzo, en la página oficial de Keith dice que fue en la noche del 10/11 de Marzo ("We regret to announce that Keith Emerson died during the night of 10th/11th March 2016 at his home in Santa Monica, California, aged 71.")

Vaya esta nota como homenaje, aceptando la invitación de su hijo Aaron, de levantar en honor a Keith un vaso de lo que sea, levantarlo con una sonrisa y recordar su vida feliz. No estar tristes, ser felices y celebrar la vida que él tuvo. 

"In honour of my dad KEITH EMERSON, I would like to ask a favour of you all. At 8pm UK time on Saturday 11th March, wherever you are all around the world, please join myself and my family in raising a glass, be it wine, be it tea, be it water, juice, whatever your poison is, raise your glass with a smile and remember his happy life. Don't be sad, be happy and celebrate the life he had. Just raise a glass...!" (*)

Con esto concluyo pero no sin antes hablar de Modest Músorgski, pues sin su creatividad no hubiéramos tenido esta obra. En sus canciones y en su ópera Boris Godunov introdujo la novedad de cantar como se hablaba, contrario a la ópera italiana que era tomada como modelo incuestionable por los compositores clásicos rusos. Fue un representante del nacionalismo ruso, que defendía las tradiciones rusas en contra de culturas foráneas. Era un compositor netamente popular. Aunque pertenecía a una familia rica se condolía por las necesidades de sus compatriotas pobres, lo cual le produjo el rechazo de aquellos que podrían haberlo ayudado a avanzar en su carrera musical.

El pintor Iliá Repin hizo este retrato de Modest Músorgski en 1881.

Te invito a que leas una nota de Jacques Sagot, publicada en La Nación, de Costa Rica, sobre la vida de este genio, y mientras la leés que escuches la versión de la Orquesta Sinfónica de Chicago, bajo la batuta de Sir Georg Solti. El tema inicial, Promenade (Paseo) indica la caminata que realiza el visitante entre un cuadro y otro. 
El audio ha sido tomado de la excelente nota La música pictórica, de Luis Enrique Alcalá. Podés leer la nota completa haciendo click sobre el título de la nota.

Modest Músorgski: el alma rusa hecha piel

Un virtuoso del dolor

Músorgski... otro nombre para el dolor. Quien visite su tumba, en San Petersburgo, ni siquiera podrá llevarle flores. Sobre el cementerio donde fue enterrado se construyó una autopista. Su sepulcro queda, hoy en día, bajo una parada de bus. Por lo demás, se conservó la lápida original, en un lugar que no cobija sus restos mortales.

Alcohólico perdido, homosexual –en tiempos del antepenúltimo zar de todas las Rusias, Alejandro II, un ultraconservador furibundo–, epiléptico, hombre frágil, hipersensible, con las terminaciones nerviosas del alma expuestas a flor de piel... Nunca logró ganarse la vida como compositor profesional: vivió de las donaciones de amigos generosos y algún ocasional mecenas.

Formado como militar y empleado gubernamental, comenzó su carrera musical de manera auspiciosa, distinguiéndose como pianista, entrevió la gloria con su ópera Boris Godunov , basada en la atormentada figura del espurio zar que usurpó el poder a principios del siglo XVII, y se extinguió en un ocaso sin lágrimas y sin gloria, ahogado en el alcohol.

Cumplió 42 años el 21 de marzo de 1881, en el hospital donde se reponía de una de sus más bestiales intoxicaciones etílicas, sus amigos llegaron a visitarlo, tuvieron la nefasta idea de regalarle una botella de vodka, la bebió entre sístole y diástole, con furor, con desesperación... y eso fue todo. Coma profundo, agonía y muerte, el 28 de marzo.

Toda su obra quedó más o menos incompleta. La conocidísima Noche en el Monte Calvo , es más producto de su amigo Rimsky-Kórsakov, que del propio Músorgski.

¿Dónde, entonces, encontrarlo? En sus Canciones y danzas de la muerte , en su ciclo Canciones sin Sol , en la versión pianística de los Cuadros de una exposición y, de manera principalísima, en su ópera Boris Godunov (jamás ópera alguna me ha afectado tan hondamente: es oscura, sórdida, imbuida del más opresivo sentimiento de culpa... pero llena también de nobleza y de una profunda aspiración a la luz, de una necesidad de redención que tiene su correlato en los personajes de Dostoyevski, que piden a gritos amor, ser absueltos de su miseria moral).

Sus otras dos óperas, Khovanchina y La Feria de Sorochinsk perviven en forma fragmentaria, orquestadas por el leal Rimsky-Kórsakov, que preservó del olvido la totalidad de la obra de Músorgski, pero que al retocarlo y “editarlo”, corrigió “errores” que eran, en realidad, genialidades que al mundo tomaría décadas comprender.

Ambos maestros eran los más talentosos miembros del Grupo de los Cinco, o el Grupito Poderoso, junto a Borodin, Balakirev y Cui. El propósito de este cónclave era establecer un estilo nacionalista ruso, basado en el paradigma del gran precursor Mijaíl Glinka. De los cinco notables, Rimsky-Kórsakov, Músorgski y Borodin fueron músicos de genio. Balakirev y Cui son apenas notas al pie de página en la historia de la música.

Pintura hecha música

Concebidos originalmente para piano, los Cuadros de una exposición fueron publicados cinco años después de la muerte de su autor y dormitaron en el olvido hasta que, en 1922, Ravel hiciera de ellos la orquestación hoy en día célebre. La comisión fue ofrecida por el director Serge Koussevitsky, quien se encargó de estrenar la versión en el Teatro de la Opera de París, el 19 de octubre de ese mismo año.

Aunque existen otras orquestaciones de mérito (Rimsky-Kórsakov, Shostakóvich, Stokowsky, Ashkenazy), la de Ravel pasa hoy por ser la versión definitiva, y uno de esos casos en los que la transcripción supera, en cierto modo, a la obra original. Empero, existen, por decir lo menos, unos 90 arreglos de la pieza, para órgano, trío de guitarras, coro, sintetizador, orquestas de vientos, de jazz, de saxofon... todo lo que sea dable imaginar.

La pieza rinde tributo a Victor Hartmann, acuarelista, arquitecto y escenógrafo muerto en 1873 a los 39 años. Amigo entrañable de Músorgsky, Hartmann compartía con el compositor la beligerancia estética nacionalista de tantos artistas rusos de la época.

Poco después de su muerte, una exposición retrospectiva de 400 pinturas fue organizada en su honor. Músorgski eligió 10 de ellos para componer una suite pianística de carácter descriptivo e intensamente evocativo. Un motivo recurrente introducido por la trompeta ( Promenade ) hace las veces de preludio, así como de transición entre las diferentes secciones. Sus seis apariciones representan el trayecto del espectador, desplazándose de cuadro en cuadro en las diferentes estancias de la galería.

La mayoría de los cuadros de Hartmann se ha perdido (Músorgski poseía varias de sus obras), de manera que el referente pictórico no nos servirá de mucho, para entender y disfrutar la pieza musical.

En casi todos los casos, la música de Músorgski desborda y supera el cuadro que la inspiró. Las acuarelas de Hartmann son decepcionantes: es obvio que Músorgski las transfiguró, las convirtió en imágenes idealizadas que poco tienen que ver con la obra del difunto pintor.

Imposible no evocar el retrato inmortal de Iliá Repin, ejecutado en el hospital, pocos días antes de la muerte de Músorgski. Es la imagen de un hombre vencido: la nariz roja, el cabello hirsuto; caótica la barba, perdida la mirada... Repin pintó más que un rostro: se asomó a un alma, la plasmó en la tela como una libélula prendida al vuelo. Vean el cuadro: vale por mil palabras.

La mano del ilusionista

La orquestación de Ravel es una obra maestra por derecho propio. El compositor francés le regala a Músorgski toda esa rutilante paleta de colores de que su imaginación era capaz. No es, empero, refrendada por todos los músicos del mundo. Vladimir Ashkenazy, por ejemplo, creó su propia orquestación, porque consideró que la de Ravel perpetuaba errores editoriales y no se basaba en el facsímil original de Músorgski.

He aquí el contenido los diez números de la suite . Recordemos que el leitmotiv del “paseo” conecta las diferentes secciones y unifica formalmente la totalidad de la obra.

I- El gnomo : grotesca y sombría alusión a un duende de piernas deformes y caminado espasmódico.

II- El viejo castillo : un trovador entona su canto melancólico frente a un castillo medieval. Página de antología para el saxofón.

II- Tullerías : un vivaz scherzo describe los juegos y risas de los niños que corretean en el Jardín de las Tullerías. El característico intervalo de tercera menor descendente, estiliza el típico “ña-ña” de los juegos infantiles.

III- Bydlo : dos bueyes jalan una pesada carreta conducida por un campesino. El canto del boyero es confiado por Ravel a la tuba. Conforme la carreta se aleja en la distancia, la música se extingue lentamente.

IV- Ballet de los pollitos en el cascarón : esbozo para un ballet infantil de Marius Petipa, donde vemos a un niño vestido de canario saliendo de un enorme huevo de cartón.

V- Samuel Goldenberg y Schmuyle : humorística evocación de dos personajes de Hartmann: el judío rico, representado por las cuerdas graves, y el judío pobre, recreado por el timbre plañidero de la trompeta con sordina.

VI- El mercado de Limoges : las maderas describen la agitación y locuacidad de las mujeres regateando con los vendedores de legumbres en el mercado. Mosaico hecho de retazos de conversaciones truncas: exclamaciones que se oyen por aquí, y respuestas inconexas que nos llegan desde allá.

VII- Catacumbas : la ausencia de las cuerdas contribuye aquí a subrayar la mórbida lobreguez del cuadro de Hartmann.

IX- La choza de BabaYaga : alusión a la guarida de la legendaria bruja Baba Yaga, uno de los personajes tradicionales del folclor ruso.

X- La Gran Puerta de Kiev : bronces y campanas rubrican la magnificencia del monumento aludido, quimera arquitectónica de Hartmann nunca materializada. Extraordinariamente eficaz en la versión pianística, este número adquiere una amplitud mucho más avasalladora en la orquestación de Ravel , elocuente manifestación de lo que Kant hubiera llamado “lo sublime grandioso” ( Tratado de lo bello y lo sublime ) . Gong, platillos, timbales y campanas cierran apoteósicamente este colosal fresco sinfónico.

Reseña original del Blog Preciosamusica.blogspot.com.ar