jueves, 25 de mayo de 2017

Gentle Giant - Gentle Giant (1970)


Con Gentle Giant me pasa algo extraño.
En mi adolescencia escuchaba sus temas en la radio, y me gustaban. Pero no me atrapaban como pasó con Rick Wakeman, ELP o Pink Floyd. Así que nunca compré ni uno de sus discos. Tampoco lo hizo ni uno de mis amigos. Así que nunca profundicé mi conocimiento sobre su música.
Con el paso del tiempo se convirtieron en un recuerdo perdido en una nebulosa en la que habitan los creadores del rock progresivo. Cada tanto escuchaba hablar de Gentle Giant, pero realmente sin pasión. Eran simples crónicas de esas que la describen como una gran banda, justamente algo casi mitológico, pero los relatores parece que están leyendo un argumento escrito por otros, sin ningún sentimiento (de hecho la mayoría de los que hacen programas musicales no pasan del hecho de ser meros presentadores/locutores). Entonces pasó algo que me llamó la atención sobre Gentle Giant. Leyendo una publicación de un amigo me encuentro con que alguien osó comparar al tecladista de esta banda (Kerry Minnear), con Rick Wakeman, como si de un dios hablara. Mi amigo le contestó que iba a investigar sobre el tecladista a ver si estaba a la altura. Y entonces se me despertó la curiosidad, y decidí hacer mi propia investigación Bueno, hace unos diez días adquirí “Giant on the Box”,  un DVD del año 2005, que compila varios conciertos. Creo que solamente viendo grabaciones de actuaciones se puede apreciar la verdadera calidad de un músico. Al día siguiente adquirí el resto de la discografía, para continuar mi investigación. Por ahora no llego a ninguna conclusión, salvo que eran músicos de calidad, multiinstrumentistas (tocaban una variedad de más de treinta instrumentos). En cuanto a Kerry Minnear no voy a hacer ninguna comparación con Rick Wakeman. Me parece que las comparaciones son odiosas. Solamente diré que Rick sigue sobre los escenarios, y al igual que Minnear es un tipo religioso. Pero en el caso de este último la música la ejecuta en el ámbito privado y en la Iglesia, además de hacer negocios con el material de la banda, por pertenecerle parte de los derechos de autor. He encontrado algo de material sobre su vida actual, que traduciré en un par de semanas.


Pero mientras tanto, para ir conociéndolos, quiero dejarles una nota que me pareció muy bien escrita (aunque no pongo las manos en el fuego por el material de referencia), tomada de la página HISTORIAS DE ROCK - Biografias Y Discografias De Musica Rock

martes, 9 de mayo de 2017

Buscando a la Madre de la Música Electrónica (3ª Parte) Delia Derbyshire



Cuatro trabajadores de efectos de sonido no identificados haciendo su trabajo para un programa de estudio, marzo de 1927 Esto fue 31 años antes de la creación del famoso  BBC Radiophonic Workshop.
Es muy injusto que aquellos a los que beneficiaste con tu trabajo no recuerden tu nombre. Peor es que otra persona se lleve todo el crédito siendo que la mayor parte del trabajo sea tuyo. Tal es lo que le pasó a Delia Derbyshire durante muchos años de trabajo en este taller. Tardaron mucho en darle crédito por la creación de la música para la serie Dr. Who, además de otros trabajos que al día de hoy no se le reconocieron públicamente.
Por eso aunque la mencionamos en al artículo anterior de esta serie decidimos que lo menos que se merece es tener un artículo completo dedicado a ella.

En una época que la que no había sintetizadores de sonido ni computadoras personales una de las técnicas fundamentales que usaban para la elaboración de sonidos era la manipulación de cintas análogas. En esta técnica sobresalió Delia Derbyshire.
Pot au feu es un tema de su disco "Blue Veils and Golden Sands". Fue editado también por la BBC en un disco llamado "BBC Radiophonic Music".






Pot au Feu fue descrita por Peter Marsh como "3 minutos y 13 segundos de jazz angular robótico repleto de incidentes."
Delia la describió como "una martillante, fantásticamente rítmica pista , lo suficientemente inquietante para tener a un monstruo de la velocidad corriendo a la cocina para agarrar los cuchillos para pan."
Además Robin Carmody añade: "Son tres minutos y diecinueve segundos de paranoia y delirio; virtualmente una pista de rave de alrededor del año 1991", (hecha en 1968). Con respecto a este último comentario es notable que muchos de los sonidos creados por Delia  son usados en la música electrónica popular actual. 
Ficha técnica 


miércoles, 3 de mayo de 2017

Emerson, Lake & Palmer - Trilogy (1972) 2 Cds - DVD-A 5.1 (2015)



Luego del éxito obtenido por la reedición super lujosa de Brain Salad Surgery, la banda Emerson, Lake y Palmer complació a los fans con lo que más quieren al reeditar a comienzos de Mayo de 2015 su álbum Trilogy, de 1972, en versión deluxe. Son 2 CDs y 1 DVD-A.

Jakko Jakszyk, de King Crimson, ha vuelto a tomar los controles para las nuevas mezclas hi-res 5.1 y estéreo, que también incluye una versión inédita de From The Beginning. El digipak incluye un folleto de 16 páginas con nuevas notas y fotos.

Trilogy ofrece un magnífico viaje desde el folk acústico y el jazz futurista, hasta sus raíces progresivas clásicas. Considerado por muchos como su mejor trabajo, es un placer obtener este bien considerado álbum de rock progresivo remixado en sonido envolvente y estéreo de alta resolución.

Selecciona los formatos MLP 24bit / 96kHz 5.1 Lossless o DTS 24bit / 96kHz 5.1, y toma asiento para un paseo increíble. Los tambores de Carl Palmer se precipitan a tu alrededor, mientras que el Órgano Hammond , el Piano, y por supuesto el Moog de Keith Emerson penetran desde todos los rincones de la habitación. La voz de Greg Lake se coloca en el centro y su Bajo emana a través de todos los canales delanteros que llenan la parte inferior en el subwoofer.
Una de sus canciones más conocidas, "From the Beginning" flota desde los canales delanteros hacia atrás con una reverberación cálida que proporciona una profundidad agradable a esta pieza de guitarra acústica. Mientras que la energía primaria está firmemente en la parte delantera, los canales traseros ofrecen una adición envolvente agradable con reflexiones de órgano secundario y ambiente.
"Hoedown" es una experiencia de sonido envolvente magistral que demuestra las habilidades de mezcla multicanal de Jakko Jakszyk. Las diferentes partes de la piezas golpeando al oyente desde todas las direcciones, sin taparse entre ellas, dejando mucho espacio para que cada parte sea escuchada fácilmente. Esto sigue siendo evidente a lo largo del resto del álbum, que cuenta con un sonido limpio y dinámico.