Tangerine Dream - Lake of Pontchartrain

Para los que están acostumbrados a la fase puramente electrónica de la música de Tangerine Dream resulta un poco extraño escuchar la obra de esta banda con una formación en la que predomina lo acústico. Tal es lo que escuchamos en el disco  Madcap's Flaming Duty (2007).  Instrumentos típicos del folclore irlandés y la música celta, como el bouzouki, el bodhrán o la gaita fueron incluidos en la grabación, junto a la guitarra acústica, la guitarra dobro o la armónica, infrecuentes en el sonido de Tangerine Dream. Incluye además un vocalista, Chris Hausl en este caso, detalle que no es nuevo en la historia de Tangerine Dream, pero es poco usual. Otra cosa inusual es que las letras de las canciones están basadas en poemas de Sir Phillip Sidney, Dante G. Rossetti, William Blake, Edmund C. Stedman, Thomas Stanley, Walt Whitman, George Herbert, Percy B. Shelley, Ralph Waldo Emerson y Robert Southwell.

La formación de la banda en este caso es:

Edgar Froese

Teclados, Guitarra, Armónica [Blues Harp], Acordeón, Contrabajo

Iris Camaa

Percussión, Batería, Bodhrán

Linda Spa

Flauta, Didgeridoo, Gaita

Bernhard Beibl

Guitarra, Violín, Mandolina

Thorsten Quaeschning

Teclados, Tambores, Tambores de acero , Guitarra, Contrabajo

Christian Hausl

Voz, Guitarra

Thomas Beator

Bouzouki [irlandés]

Gynt Beator

Bouzouki [irlandés], Bodhrán

La edición actual contiene un CD y un DVD.

Sobre el disco en sí haré la próxima reseña, pero en esta comentaremos la canción Lake of Pontchartrain. Lo que me impulsó a tocar este tema por separado es que me parece particularmente bella. Y además porque hay una hermosa historia detrás. De esas que cada vez apreciamos menos, pero que tanta falta nos hacen.

Disfrútenla en este video extraído del DVD.

El efecto Dunning-Kruger

   

El efecto Dunning-Kruger es un sesgo cognitivo, según el cual los individuos con escasa habilidad o conocimientos sufren de un sentimiento de superioridad ilusorio, considerándose más inteligentes que otras personas más preparadas, midiendo incorrectamente su habilidad por encima de lo real. Este sesgo se explica por una incapacidad metacognitiva del sujeto para reconocer su propia ineptitud. Por el contrario, los individuos altamente cualificados tienden a subestimar su competencia relativa, dando por sentado erróneamente que las tareas que son fáciles para ellos también son fáciles para otros.

David Dunning y Justin Kruger de la Universidad de Cornell concluyeron que: 

«La sobrevaloración del incompetente nace de la mala interpretación de la capacidad de uno mismo. La infravaloración del competente nace de la mala interpretación de la capacidad de los demás.».

El fenómeno fue demostrado en una serie de experimentos realizados por Justin Kruger y David Dunning, de la Universidad de Cornell (Nueva York, EE. UU.). Sus resultados fueron publicados en el Journal of Personality and Social Psychology de diciembre de 1999.​

Happy Rhodes – Ectotrophia (Numero Group) (2018)

    
Dicen que cuando uno se enamora no puede ser imparcial.

No se sabe qué es lo que hace que lleguemos esa situación de enamoramiento.

Simplemente pasa.

Sin dudas la persona que lo origina tiene cualidades que consideramos imprescindibles para complementar nuestra vida.

Tengo una alerta Google sobre Wendy Carlos. Hace años que su vida no es pública. Así que todas las alertas terminan en ventas de viejos discos y a veces me notifican sobre alguna nota en la que se la menciona (aclaro que no estoy enamorado de Wendy, pero merced a investigar, traducir y escribir varias reseñas la conocí un poco).

Entonces por alguna razón alguien la mencionó en una reseña sobre Happy Rhodes.

Me llegó la alerta y miré la reseña.

La leí y me gustó.

Así que decidí conseguir algo de su música.

Al escuchar el primer disco mi corazón empezó a latir muy fuerte.

Después de escuchar el segundo disco no pude menos que buscar videos.

Al verla en videos en vivo mi enamoramiento fue completo.

Entonces como con tan poco tiempo de conocerla y con tantas emociones que se despiertan  disco tras disco, video tras video, pienso que no puedo ser imparcial en una reseña.

Y que tal vez tampoco le haga la justicia que se merece una artista del tamaño y la sensibilidad de Happy.

    

Así que transcribo la reseña que me guió a ella. 

Para ser justo la transcribo textualmente, sin corregir nada.

Deseo que también te enamores de ella luego de verla y escucharla.

Porque el amor no es celoso.

Wendy Carlos: una Persona Maravillosa

En las otras reseñas publicadas en este Blog se ha hablado de la obra musical de Wendy Carlos.

También se ha mencionado al pasar el hecho de que nació varón, se lo llamó Walter y luego cambió de nombre.

Sin embargo en muchas notas que he leído en Internet a lo largo de los años se menciona especialmente, y como si fuera algo más importante que su obra musical, el asunto del cambio de nombre, y claro, de sexo, a través de un procedimiento quirúrgico.

¿Cuál es el objeto de seguir hablando de algo que ocurrió en 1972 y que, aparentemente, no tiene nada que ver con su obra musical....?

Títulos como:

“Cómo la compositora transgénero Wendy Carlos cambió la música para siempre” o “Conoce a Wendy Carlos: La Madrina Trans de la Música Electrónica“, entre un montón de títulos similares...

¿Cuál es el objeto de mencionar desde el título de una nota la condición sexual de un músico...?

Por ejemplo tomemos a Vladimir Horowitz...

¿Estaría bueno que al hacer una reseña empezáramos contando ya desde el título mismo que aunque se casó con Wanda Toscanini y tuvieron una hija, él supuestamente era homosexual y para reafirmarlo citáramos a Arthur Rubinstein como innegable fuente?

También podríamos decir que Rubinstein era un chismoso, envidioso de otro exitoso pianista que tocaba su mismo repertorio, además de ser un petiso agrandado.

Honestamente: ¿a quién carajo le importa?

Lo único que nos debiera importar es que ambos fueron excepcionales pianistas, que casi hasta el fin de sus largas vidas dieron conciertos, y entonces disfrutar de esa maravillosa música.

Y así podríamos citar un montón de casos. De lo único de lo que estaríamos hablando en realidad es de nosotros mismos, de nuestros intereses morbosos, no de esos artistas.

Pareciera una tontería pero en este último tiempo en el que repasé y profundicé mi conocimiento sobre la obra de Wendy Carlos encontré varias personas que seguían con esta actitud chismosa, farisea, de jueces sin nombramiento oficial. Mayormente son tipos que ni siquiera son músicos. Pero aunque lo fueran no tienen ningún derecho a juzgar la conducta privada de otro músico. Porque aquí no está en cuestión su música, sino su vida privada.
    

El derecho a la privacidad
    
Parece que no entendieran la diferencia entre conducta privada y pública. Y es algo tan sencillo que por ejemplo “el derecho a la privacidad, que en los EE.UU. aparece como un derecho no-enumerado, en nuestra Constitución tiene norma propia y además, muy clarita.”

El artículo 19 de la Constitución de la República Argentina dice:

“Las acciones privadas de los hombres que de ningún modo ofendan al orden y a la moral pública, ni perjudiquen a un tercero, están sólo reservadas a Dios, y exentas de la autoridad de los magistrados. Ningún habitante de la Nación será obligado a hacer lo que no manda la ley, ni privado de lo que ella no prohíbe.”

Extraigo esta frase de un artículo que sería interesante que leyeran para entender este derecho y como lo aplican los jueces de verdad:

“Cierto es que muchas veces se la relegó en pos de objetivos sociales o políticos que se suponían superiores. Pero ahora vamos a ver qué fuerte que es la norma cuando se la lleva hasta las últimas consecuencias.”

(Artículo completo)

Dicho esto recuerden que si quieren que se respeten sus derechos tienen que respetar los derechos de los demás. Si no les gusta que se metan en sus vidas no se metan en las de otros. Además, con esto en mente, tengan cuidado con lo que dicen, cómo lo dicen y dónde lo dicen, porque pueden ser demandados legalmente, como comentaré en la parte final del artículo.

Buscando a la Madre de la Música Electrónica (5ª Parte) Wendy Carlos

Cuando inicié esta serie de artículos sobre La Madre de la Música Electrónica mi objetivo primario era hablar de Wendy Carlos.

Un amigo me había dicho que para él el Padre de la Música Electrónica era Isao Tomita. En cambio, para mi, era Karl Heinz Stockhausen.

Así que me puse a investigar y cuanto más aprendía más me convencía de que era difícil, inútil y hasta injusto atribuir la paternidad de la Música Electrónica a un solo hombre, y que además era absolutamente imprescindible incluir a las mujeres pioneras en este Arte. De ahí la serie de artículos mencionados. Porque Wendy debería estar entre Las Madres.

Pero el tema es que Wendy no siempre fue Wendy. Por lo menos a los ojos del resto del mundo. Aunque en su interior ella se considerara Wendy, ella nació como Walter. Si, ese el 14 de noviembre de 1939 en Pawtucket, Rhode Island, Estados Unidos, Wendy nació varón.
Así que por mucho tiempo antes de que yo tomara conocimiento de su cambio de sexo, pudiera haberlo considerado entre los posibles Padres de la Música Electrónica.

    

Wendy Carlos demostrando sonido estéreo para un proyecto de ciencia de la escuela secundaria. Foto de The Rafaelite, anuario de St. Rafael Academy, Pawtucket, Rhode Island. (Autor: The 1958 senior class of St. Rafael Academy)

Pero dejaré este hecho de la sexualidad de Wendy de lado. Aunque solamente por ahora. Más adelante en la nota veremos cuán importante fue este aspecto de su vida en toda su obra.
Otro tema que quiero hacer notar en este momento es que contrariamente a lo que he visto que hacen en general en las reseñas sobre Wendy, pondré las tapas de los discos tal como fueron conocidos por todos nosotros a medida que iban siendo lanzados, es decir, con el nombre de Walter.

Cuando escuché su primer disco no tenía nada en claro sobre él. Para mi era simplemente un creador que hacía una música prodigiosa, envuelta en un misterio total sobre cómo era ejecutada. Esa música de Johann Sebastian Bach, que habitualmente escuchaba en la radio en versiones barrocas, y a veces en rebuscadas versiones sinfónicas estilo Stokowski, ahora llegaba a mis sentidos con timbres electrónicos, totalmente nuevos para mi (y para el resto del mundo, claro).

El disco es Switched-On Bach, lanzado en 1968, y en países de habla castellana se llamó Bach Electrónico.

     

Wendy Carlos, una chica difícil

La verdad es que Wendy Carlos se merece que se haga una reseña por cada uno de sus discos.

Pero lo interesante de las reseñas musicales, a mi modo de ver, es que contengan ejemplos musicales.

Sin embargo en el caso de Wendy es algo casi imposible. Creo que debido a cuestiones de copyright es prácticamente imposible encontrar videos en Youtube para usar con ese objetivo (bah, en ningún lado). A lo largo de todo este tiempo que estuve investigando sobre ella he encontrado interesantes ejemplos que al poco tiempo han sido borrados por presiones de alguna compañía. Como músico estoy completamente de acuerdo en proteger el trabajo y los derechos de los artistas. Pero creo que muchos tienen conceptos un poco equivocados sobre lo que es piratería. Confunden con piratería y violación de derechos un simple video subido por un admirador.
Justamente a través de este tipo de videos he conocido a muchos artistas y después he comprado sus obras. No hablo de conciertos completos sino de extractos que sirvan como ejemplo. Son publicidad gratuita hecha por admiradores. No son piratería.

Parece que ninguno de esos artistas que permiten que las empresas discográficas realicen una caza de brujas entienden que un video de un fan puede servirles de propaganda gratis, lo mismo que una reseña como las que hacemos en este Blog. Sinceramente les digo que la época en que gastaba dinero en originales me parece un tiempo que no deseo que vuelva. Simplemente pienso en todo el dinero que gasté en originales y creo que mejor lo hubiera gastado en cosas para mi familia. Porque si el resultado de mis compras hubiera terminado en los bolsillos de los artistas me parecería más que justo. Pero la realidad es que la mayor parte de ese dinero termina en las arcas de los sellos discográficos.
Pero en este caso en especial, luego de leer un extenso reportaje aparecido en una revista Playboy del año 1979 he llegado a entender que parte de su manera de pensar sobre este tema está relacionada con el hecho de haber pasado de ser la persona que vemos en la foto de abajo a la que vemos en la foto del encabezado.
       

Buscando a la Madre de la Música Electrónica (4ª Parte) El Sintetizador Moog

En esta reseña sobre el sintetizador Moog comienzo por lo que había pensado decirte al final. Y hay una buena razón para ello. Así que voy a explicarte que estás viendo un tipo de fuente que nunca he usado en este Blog. Tal vez no la hayas visto en casi ningún lado. Se llama Moogdula. Fue creada por Angeles Moreno (que tuvo la gentileza de enviármela), y usada en la película Moog, de 2004, realizada por Hans Fjellestad, que verás al final de la reseña. (Claro que para leer esta nota con esa letra debieras tenerla instalada. Si no es así no pasa nada, la verás en tipografía predeterminada).

¿Qué por qué he usado esta extraña letra? Pues porque para mi no lo es en absoluto. No solamente no me parece extraña sino muy hermosa y pertinente al tema tratado. Porque justamente responde al tipo de mente que compartían los creadores del Sintetizador Moog, Robert Moog y Herbert Deutsch (en la foto del encabezado). El tipo de pensamiento que originó este Logo como símbolo inconfundible.

Si estás aquí para leer sobre el Sintetizador Moog seguramente compartes algo de esa mentalidad innovadora y te agradará leerla en este formato.
He tenido que dejar toneladas de información afuera de la reseña (con la esperanza de utilizarla en otro momento), pero espero que lo publicado aquí sea de tu agrado.
Para muchos de nosotros esta historia comenzó con un video como este de la BBC, del programa Tomorrow's World.

Memories Of Machines - Warm Winter (2011)

Hace ya varias semanas que vengo escuchando este disco de Memories of Machines. Decidí esperar para reseñarlo porque quería evitar que el efecto inicial influenciara en los comentarios.

Sucedió que estaba investigando las numerosísimas colaboraciones de Robert Fripp en discos de otros artistas y me topé con este. Comienzo a escucharlo sin profundizar en la participación de los diferentes intérpretes intervinientes ni en los datos técnicos. Eso viene inevitablemente después, claro, pero es la mejor manera de escuchar un disco nuevo: sin prejuicios.

Al escucharlo encuentro que Fripp intervino solamente en el tema "Lost And Found In The Digital World" (8), en el que comparte autoría. Nunca deja de ser interesante una intervención de Robert en un disco. Por otro lado el simple hecho de que él intervenga en una obra de otro músico le da un creciente valor. Nunca hace nada sin un propósito valorable.

Así que después de analizar toda la obra (es una manera de decir que disfruté de escucharla incontables veces), no pude menos que buscar otros discos de este dúo. Memories Of Machines es un buen exponente de la Nueva Ola del Neo Progresivo. Pero lamentablemente por otro lado este es el único disco que grabaron como dúo Tim Bowness y Giancarlo Erra. Fue un trabajo que les llevó más de cuatro años completar (Abril de 2006 - Diciembre de 2010), siendo su lanzamiento en Abril de 2011. Lo hicieron en paralelo con sus otros trabajos en sus respectivas bandas, No-Man y Henry Fool (Bowness) y Nosound (Erra). Tienen una amplia discografía, principalmente como integrantes de esas bandas, además de muchas colaboraciones en otros proyectos de excelentes músicos. Se considera que el dúo no está disuelto, acorde al espíritu colaborativo que impera entre esta generación de grandes músicos.

Me han gustado mucho los conceptos de Tim Bowness sobre King Crimson: "No importa en qué tipo de banda he estado, a través de los años King Crimson ha sido una de las pocas constantes amadas de la mayoría de los músicos con los que he trabajado. Los intérpretes que he conocido sea que su formación sea Pop, Punk, Prog, Metal, Folk, Jazz y Clásica han expresado un amor duradero a por lo menos un período de la música de la banda. King Crimson siempre ha mantenido una estética particular en su música, pero los arreglos, la producción y los line-ups instrumentales han variado dramáticamente. Me encantan todos los períodos de la música de la banda, pero los dos que más me atraen son los primeros cuatro álbumes y la trilogía de los años 80. Los primeros cuatro son gloriosamente expansivos y poseen una fragilidad melódica y una intensidad de gruñido que estableció la plantilla para gran parte de lo que siguió. Los contrastes estilísticos de la encarnación de los años 80 son menos pronunciados (el sonido de la banda es puro y notablemente coherente), pero todavía están allí, ya que su enfoque aerodinámico consigue abarcar Minimalismo, Funk, Art Rock, Afro-Beat, No-Wave , Gamelan y mucho, mucho más"

Y para ser justos, antes de seguir con la reseña podemos escuchar el tema en el que interviene Robert Fripp (en una versión no oficial)

Lost and Found in the Digital World 

Eight Seasons - Gidon Kremer - Kremerata Baltica (2000)

Otra vez Astor Piazzolla y Gidon Kremer. El genial autor admirado y el virtuoso y admirable intérprete.

Pero esta vez su interpretación es una fusión entre los lenguajes musicales de dos creadores separados por varios siglos. Porque mezclada con la música de Astor encontramos la música de Antonio Vivaldi. Y digo mezclada porque Las Cuatro Estaciones de Antonio Vivaldi, compuestas alrededor de 1725, se presentan en alternancia con las Las Cuatro Estaciones Porteñas. Las Cuatro Estaciones Porteñas son un conjunto de composiciones escritas por Astor Piazzolla entre 1965 y 1970. Las Cuatro Estaciones Porteñas o Estaciones Porteñas fueron concebidas como composiciones separadas más que formando parte de una suite, aunque el mismo Piazzolla las interpretó juntas en varias ocasiones.

Pistas

Antonio Vivaldi, "La Primavera" (Primavera) Concerto In E Major, Op. 8 No. 1 (RV 269)
1 Allegro 3:07
2 Largo 2:19
3 Allegro 4:09
Astor Piazzolla, Las Cuatro Estaciones Porteñas (Verano)
4 Verano Porteño (Verano en Buenos Aires) 5:58
Antonio Vivaldi, "L'Estate" (Verano), Concerto In G Minor, Op. 8 No. 2 (RV 315)
5 Allegro Non Molto 5:07
6 Adagio 2:01
7 Presto 2:35
Astor Piazzolla, Las Cuatro Estaciones Porteñas (Otoño)
8 Otoño Porteño (Otoño en Buenos Aires) 6:49
Antonio Vivaldi, "L'Autunno" (Otoño), Concerto In F Major, Op. 8, No. 3 (RV 293)
9 Allegro 4:36
10 Adagio Molto 3:03
11 Allegro 2:53
Astor Piazzolla, Las Cuatro Estaciones Porteñas (Invierno)
12 Invierno Porteño (Invierno en Buenos Aires) 6:37
Antonio Vivaldi, "L'Inverno" (Invierno), Concerto In F Minor, Op. 8 No. 4 (RV 297)
13 Allegro Non Molto 3:28
14 Largo 1:13
15 Allegro 3:21
Astor Piazzolla, Las Cuatro Estaciones Porteñas (Primavera)
16 Primavera Porteña (Primavera en Buenos Aires) 5:43

Créditos

Compuesto por:
Antonio Vivaldi  (Pistas: 1-3, 5-7, 9-11, 13-15)
Astor Piazzolla (Pistas: 4, 8, 12, 16)
Violín solista – Gidon Kremer 
Orquesta – Kremerata Baltica 
Formación:
Primer violín: Dzeraldas Bidva, Eva Bindere (solo y continuo), Migle Diksaitiene, Myroslava Kotorovich, Sandis Steinbergs, Rasa Vosyliute, Sanita Zarina
Segundo violín: Andrejs Golikovs, Inga Gylyte, Elo Ivask, Lasma Mucenice, Marija Nemanyte, Andrei Valigura (solo y continuo)
Viola: Janis Lielbardis, Ula Ulijona (solo y continuo), Kaspars Vilnitis, Zita Zemovica 
Violoncello: Peteris Cirksis, Ilze Grudule, Eriks Kirsfelds, Marta Sudraba (solo y continuo)
Contrabajo: Janis Mednis, Indrek Sarrap    
Clave: Reinut Tepp (solo y continuo)

Créditos de producción

Grabación producida por Helmut Mühle 
Grabado entre 6-9 de Septiembre, 1998, Reutlingen-Gönningen, Germany, en Evangelische Peter und Paul-Kirche
Ingeniero de grabación: Markus Heiland, Tritonus Musikproduktion GmbH
Edición: Gudrun Maurer

Gidon Kremer - Kremerata Baltica - Festival de Musique de Menton
Fragmento de Verano Porteño

Wish You Were Here, de Pink Floyd, en el Teatro Ciego

La última vez que anduve en la zona del Abasto (barrio de Buenos Aires), oigo en la calle a una pareja diciendo "Vamos a escuchar algo diferente". Escuchar "algo diferente" puede ser encontrarme algo que me sé de memoria o algo realmente diferente. Me fijo a dónde iban y ahí nomás veo un edificio antiguo reacondicionado con mucho arte. Trataba de imaginarme con qué me iba a encontrar si entraba. Veo que allí funciona el Teatro Ciego. Saco entrada y espero junto a varias personas, no una gran multitud. Allí nos recibió Alejandro Cardozo e introdujo al grupo en un cómodo recinto con butacas, anunciando que íbamos a escuchar "Wish You Were Here", de Pink Floyd, en un sistema 5.1... y en total oscuridad. Bueno, me dije, hace un tiempo que no lo escucho... ¿me sorprenderé? 

Inmediatamente empiezo a recordar que  cuando era pibe lo escuché por primera vez por la radio en El Tren Fantasma, en la tranquila oscuridad de mi cuarto.

A pesar del sonido elemental que teníamos disponible los adolescentes promedio en 1975 eso no era obstáculo para que esa música nos hiciera soñar. 

Y aquí estoy ahora, en un ambiente completamente desconocido, dispuesto a vivir un experiencia sonora en 360 grados a una temperatura agradable, con un disco que "me sé de memoria". 

Y me pregunté: ¿qué tiene de especial escuchar música en 5.1 hoy? ¿Qué tiene de especial hacerlo en la oscuridad? 

Tuve que tener esta experiencia para respondérmelo. Al final de la audición las preguntas que otros que compartieron la experiencia le hicieron a Alejando Cardozo me dieron respuestas adicionales. 

Ahí caí en la cuenta que: 
Había jóvenes que no conocían a Pink Floyd.

Había otros que creían conocerlo, pero no conocían Wish You Were Here.

Había diferentes grados de "conocimiento" sobre la obra que acabábamos de escuchar.

Muchos no tenían equipos 5.1 (o no de la calidad del usado para la audición). 

Otros no tenían noción siquiera de lo que es estereofonía (ni cuadrafonía, claro).

Eso a pesar que haber crecido en medio de sonido estéreo. Pero no hay conciencia de lo que significa Estéreo.

Y diría que casi todos escuchan, como yo, música todo el día, pero con diferente grado de concentración.

La mayoría como una forma de compañía en segundo plano. 

Algunos estudiando o leyendo. Escuché decir a Hugo Guerrero Marthineitz que eso es imposible... ¿a vos qué te parece? ¿Podés disfrutar de la música, nota a nota, metiendo ideas impresas por tus ojos a la vez..? ¿Podés escribir cuando Robert Fripp te habla con su guitarra o en cambio tu mente es llevada por el espacio fuera de tu cuerpo?

¿Cuánto hace que no escuchás música en total oscuridad y solamente eso? 

Ese es mi objetivo diario: escuchar la música con total nitidez, muy fuerte y sin embargo sin aturdirme... sentir la presencia sin nada que me distraiga.
Conclusión corta y fundamental: oir música en la oscuridad te permite escuchar realmente.

Como el tema da para mucho dicidí dividir la reseña en dos partes.

1) Algunas cosas relacionadas con Sonido 360 y Teatro Ciego

2) Wish You Were Here propiamente dicho

Como la fuente sonora era un Super Audio CD (SACD) busqué mucho y traduje la mejor reseña que encontré. Se trata de Pink Floyd's Wish You Were Here: SACD review and interviews including James Guthrie, escrita por Paul Powell Jr, el 22 de Diciembre de 2011. Recomiendo leerla en su idioma original (y espero que si algo no concuerda con el original me lo hagan saber).
Cuando aparece el tetagrámaton WYWH se refiere a este disco.
La dividí en secciones. 

A) Presentación del SACD

B) Entrevista a CHAD KASSEM 

C) Entrevista a JAMES GUTHRIE  

D) Consideraciones sobre sobre lo analógico y lo digital  que no debemos ignorar para que sepamos qué escuchamos (si estamos escuchando)

E) Reseña de "Wish You Were Here Super Audio CD"

F) Primera impresión al escuchar el SACD (Es exactamente lo que sentí en el Teatro Ciego pero explicado por un MAESTRO)

G) Comparativa entre WYWH SACD y otras ediciones; fuentes de información para la nota original. 

Greg Lake & Geoff Downes - Ride The Tiger (2015)

Lamentablemente el pasado 7 de diciembre nos sorprendimos con la triste noticia del fallecimiento de Greg Lake. 

Este es un disco lanzado el año pasado que merece nuestra atención porque contiene temas poco conocidos que reflejan las cualidades de Greg como baladista.

Greg Lake se reunió por primera vez Geoff Downes durante una breve gira japonesa con Asia en 1983 cuando actuó con la banda.

Greg y Geoff pronto descubrieron que compartían mucho en términos de sus respectivos gustos musicales y decidieron que emprenderían un período de escritura de canciones experimental, aunque no fue hasta septiembre de 1989 que sus agendas de trabajo les permitieron lograr esa meta. Fue en el estudio de Greg en Putney Bridge, Londres, y se extendió hasta abril de 1990.

Algunas de las canciones que fueron escritas aparecieron más adelante  en los álbumes consecutivos de Asia y de ELP en una forma re-grabada. El título de trabajo para este proyecto fue "Ride the Tiger"  y este es el material que los presenta juntos en su forma original por primera vez.

Ficha Técnica

Money Talks (3:36) 

Love Under Fire (5:22)

Affairs of the Heart (4:05) 

Street War (5:26)

Check lt Out (4:44)

Blue Light (4:08)

Love Under Fire - Toma alternativa (4:57)

Todas las canciones compuestas por Greg Lake y Geoff Downes

Greg Lake: Voz, Guitarras, Bajos

Geoff Downes: Teclados, Programación

Michael Giles: Batería, Percusiones

1989-1990 Grabaciones Originales producidas por Greg Lake y Geoff Downes

Remasterizado por Alberto Callegari @ Elfo Recording Studios, Tavernago, Italia

Concepto de tapa de Daniel Earnshaw

Diseño Gráfico de Max Marchini

Agradecimiento Especial a Bruce Pilato y Billy James
Palabras de Introducción de Max Marchini

ASIA con Greg Lake en Japón, el 6 de diciembre de 1983
Live at the Budokan, originalmente emitita por MTV

Pink Floyd - The Dark Side of the Moon (1973) Reedición en vinilo de 2016

El 4 de noviembre de 2016 se lanzó públicamente una reedición en vinilo de 180 gramos de The Dark Side of the Moon, de Pink Floyd. Siempre este tipo de sucesos es bien recibido por los admiradores. Se publicitan como una nueva edición con sonido remasterizado, o tal vez remixado. Entonces uno quiere saber qué ventaja tiene este hecho sobre las antiguas ediciones en vinilo, cd u otros formatos. Es interesante conocer detalles técnicos, anécdotas y leer reportajes a los músicos que te reubiquen dentro de un tema que viene siendo parte de tu vida desde la adolescencia. A veces viene fácil. Otras, como es el caso, existe casi un halo de misterio que hay que investigar, chocándose con paredes inesperadas. Así que de eso trata la reseña: de ver que hay en el lado oscuro de las nuevas ediciones.

Ah, cuando lean TDSOTM o DSOTM ya saben de qué estamos hablando.

Lista de temas

Cara A
   
Nº Título    Música    Voz principal    Duración
   
1.  Speak to Me    Mason    Instrumental    1:07
2.  Breathe    Gilmour, Wright    Gilmour    2:49
3.  On the Run    Gilmour, Waters    Instrumental    3:45
4.  Time (contiene «Breathe Reprise»)    Mason, Waters, Wright, Gilmour    Gilmour y Wright    6:53
5.  The Great Gig in the Sky    Wright, Clare Torry    Clare Torry    4:44
 
Cara B
   
Nº Título    Música    Voz principal    Duración

1.  Money    Waters    Gilmour    6:23
2.  Us and Them    Wright  Gilmour y Wright    7:49
3.  Any Colour You Like    Gilmour, Mason, Wright    Instrumental    3:26
4.  Brain Damage    Waters    Waters    3:46
5.  Eclipse    Waters    Waters    2:12

Todas las letras escritas por Roger Waters.

Formación de Pink Floyd

David Gilmour: voz, guitarras, sintetizador VCS 3, producción
Nick Mason: batería, percusión, efectos, producción
Roger Waters: bajo, voz, sintetizador VCS 3, efectos, producción
Richard Wright: teclados, voz, sintetizador VCS 3, producción

Músicos adicionales

Dick Parry: saxofón en «Money» y «Us and Them»
Clare Torry: voz en «The Great Gig in the Sky», coros
Lesley Duncan: coros
Barry St. John: coros
Liza Strike: coros
Doris Troy: coros

Producción

Alan Parsons: ingeniería de sonido
Peter James: asistente de ingeniería de sonido (identificado incorrectamente como «Peter Jones» en las primeras copias del LP de Estados Unidos)
Chris Thomas: mezclas
George Hardie: ilustraciones, diseño de portada
Hipgnosis: diseño, fotografía
Jill Furmanovsky: fotografía
James Guthrie: supervisor de masterización en las ediciones del 20º y 30º aniversario, mezclas 5.1 en la edición del 30º aniversario
Doug Sax: remasterización en las ediciones del 20º y 30º aniversario
David Sinclair: notas interiores de la reedición en CD
Storm Thorgerson: Diseño en las ediciones del 20º y 30º aniversario
Drew Vogel: arte y fotografía en la reedición CD 

No voy a hacer un detalle de la historia de TDSOTM sino solamente en lo referido a cómo llegamos a la presente edición en vinilo. Pero si les interesa empezar a profundizar lean la breve reseña de Wikipedia.

Vinilos de 180 gramos remasterizados analógicamente (y otras yerbas...)

La siguiente reseña se origina en el hecho que este año se relanzó la discografía de Pink Floyd en vinilo (entre las de otras decenas de artistas), y tuvo especial repercusión The Dark Side of the Moon. No pretende ser esta una nota técnica sino simplemente una serie de pensamientos intercambiados con amigos con los cuales tal vez coincidas por experiencia personal. Te invito que al fin de la reseña me cuentes tu experiencia en este aspecto.

Para algunos viejitos será obvio que el vinilo es algo esencial en la discoteca de un audiófilo, pero las nuevas generaciones lo pueden ver como a un dinosaurio en el living.

Un poco de historieta

Algunos nacieron en una casa de ambientes amplios y techos altos, donde se puede poner la música fuerte sin enloquecer a familiares y vecinos.
Muchos cuando eran adolescentes tuvieron esa ventaja, pero no pudieron comprarse equipos de alta fidelidad (HI-FI). Tal vez tuvieron la suerte que los padres los adquirieran y les permitieran usarlos, con o sin restricciones.  Con el tiempo crecieron, trabajaron, se mudaron a un departamento en el que siendo dueños pueden poner la música como les plazca. Cierto es que la forma de vida a la que es sometida la mayoría de la gente los reduce a vivir en espacios más pequeños que en los que han sido criados. Las paredes parecen de papel en un departamento, o en una casa humilde de ladrillos huecos de 12 cm, y todo lo que pasa adentro se oye afuera casi tan fuerte como en el interior. Los ambientes son menos y más chicos. Pero por fin llegó el día y entonces te compraste el equipo de audio de tus sueños. Ojo, no hablo de equipos que hacen ruidos fuertes como ostentan la mayoría: hablo de audio de alta calidad, sin distorsiones apreciables por el oido humano. 
Para una referencia rápida a aspectos técnicos AQUÍ

Tal vez lo fuiste comprando por partes.
Empezaste con un buen amplificador y bafles de tres vías con woofer de 12". Tenías el propósito de comprarte una bandeja giradiscos con cápsula magnética, mucho más sensible que la de cerámica (ese era un tema de conversación en mi adolescencia casi tan importante como las chicas, y para la mayoría mucho más inalcanzable e incomprensible. La cápsula era un misterio, algo tan poco visto en la vida real como una cápsula espacial). Tal vez te recomendaron una tipo Technics SL-1200 (bandeja muy usada por los DJs). 

Michel Camilo - George Gershwin - Rhapsody In Blue (2006)

Otra versión de la infinitamente versionada Rhapsody in Blue, de George Gershwin. Pero no otra del montón. Michel Camilo es un virtuoso del piano, de formación clásica y dedicado al jazz, nacido en una familia de músicos que lo alentaron a estudiar música desde la infancia. Deseo que lo conozcan y lo disfruten, y este disco es un buen comienzo para eso. George Gershwin por el contrario fue autodidacta, pero lógicamente también estudió música y se ganó la vida desde joven ejecutando música en una editorial musical. Creo que si tienen la oportunidad de escuchar el disco y compararlo con otras versiones le darán su justo valor. Además tiene un booklet con mucha información interesante que no se pueden perder.

Lista de temas

1. Rhapsody In Blue 16:47

2. Concerto in F (Allegro) 13:13

3. Concerto in F (Adagio-Andante Con Moto) 12:59

4. Concerto in F (Allegro Agitato) 6:32

5. Prelude No.2  6:39

Intérpretes

Michel Camilo (piano) acompañado de la Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya, dirigida por Ernest Martínez Izquierdo

Concierto grabado los días 2-4 de febrero de 2005 en L'Auditori (Barcelona)

Philippe Jaroussky ‎- Farinelli - Porpora Arias (2013)

Esta entrada viene a intentar cubrir un tipo de música aparentemente no abordado aun en el blog. La que hacían los castrati o sea los castrados, esa casta de cantantes creada por la iglesia católica para expresar su profundo amor al arte. En este disco vamos a conocer a un contratenor y a una mezzosoprano de nuestra época. También hablaremos un poco de un par de cantantes que vivieron hace unos cuantos años atrás, y del compositor, creador de los éxitos que ellos interpretaban.

Lista de temas

(Los temas son extractos de las óperas que se mencionan junto al año de creación). 

01. Aria d'Alceste "Mira in cielo" , de "Arianna e Teseo" [1728] [05:53]

02. Aria di Mirteo "Sì pietoso il tuo labbro", de "Semiramide riconosciuta" [1729] [07:59]

03. Aria di Nino "Come nave in ria tempesta", de "Semiramide regina dell'Assiria" [1724] [05:14]

04. Duetto d'Aci e di Galatea "Placidetti zefiretti", de "Polifemo" [1735] [02:53]

05. Aria d'Aci "Alto Giove", de "Polifemo" [1735] [10:29]

06. Duetto di Sifare e di Semandra 'La gioia ch'io sento", de "Mitridate" [1736] [04:50]

07. Aria d'Achille "Le limpid'onde", de "Ifigenia in Aulide" [1735] [09:43]

08. Aria d'Aci "Nell'attendere il mio bene", de "Polifemo" [1735] [05:31]

09. Aria d'Achille "Nel gia bramoso petto", de "Ifigenia in Aulide" [1735] [08:30]

10. Aria d'Orfeo "Dall'amor più sventurato", de "Orfeo" [1736] [04:30]

11. Aria d'Orfeo "Sente del mio martir", de "Orfeo" [1736] [04:39]

Alineación

Philippe Jaroussky (contratenor)

Cecilia Bartoli (mezzosoprano) (pistas 4,6)

Venice Baroque Orchestra, dirigida por Andrea Marcon 

Música compuesta por Nicola Porpora

The Phantom of the Opera - Rick Wakeman - (Soundtrack) (2016)

Nuevo trabajo de Rick Wakeman

Por primera vez en DVD la película muda de Lon Chaney "The Phantom of the Opera" (El Fantasma de la Ópera), con la banda de sonido de Rick Wakeman, juntos en Box Set de edición limitada, con un certificado firmado y numerado.

La legendaria película de 1925 de Lon Chaney es traída a la vida con una banda sonora especialmente encargada a Rick Wakeman.

Esta es la primera vez que esta versión de la película ha sido publicada en DVD. Las imágenes han sido completamente restauradas y la banda sonora remasterizada.

The Hours (Banda de sonido) - Philip Glass (2002)

The Hours (Las Horas) es una película dramática de Estados Unidos del año 2002 musicalizada por Philip Glass. Fue dirigida por Stephen Daldry. El guión, escrito por David Hare, es una adaptación de la novela homónima de Michael Cunningham, ganadora del Premio Pulitzer en 1999.

Toda la historia tiene lugar en el transcurso de un mismo día; trata sobre tres mujeres en diferentes épocas y generaciones, cuyas vidas se conectan a través de la novela de Virginia Woolf Mrs. Dalloway. Nicole Kidman encarna a Virginia Woolf en 1923, mientras escribía Mrs. Dalloway, Julianne Moore es una esposa infeliz que lee el libro en el año 1951, y Meryl Streep interpreta a una editora bisexual neoyorquina, una Mrs. Dalloway moderna que cuida de un amigo escritor, con quien tuvo un romance en su juventud, en etapas avanzadas del sida y ha decidido prepararle una fiesta.

El largometraje se estrenó en Los Ángeles y Nueva York el 25 de diciembre de 2002. Recibió diversos premios internacionales, incluyendo el Oscar a la mejor actriz para Nicole Kidman.

Lista de temas

 1. The Poet Acts 03:40
 2. Morning Passages 05:30
 3. Something She Has to Do 03:09
 4. "For Your Own Benefit" 02:00
 5. Vanessa and the Changelings 01:45
 6. "I'm Going to Make a Cake" 04:01
 7. An Unwelcome Friend 04:08
 8. Dead Things 04:21
 9. The Kiss 03:54
10. "Why Does Someone Have to Die?" 03:53
11. Tearing Herself Away 05:00
12. Escape! 03:48
13. Choosing Life 03:50
14. The Hours 07:44

Tiempo total 56:43

Alineación

Philip Glass / Compositor
Michael Riesman / Piano
The Lyric Quartet:
Rolf Wilson / Violín
Edmund Coxon / Violín
Nicholas Bar /Viola
David Daniels / Violonchelo
Chris Laurence / Contrabajo
Orquesta dirigida por Nick Ingman

(Ficha técnica completa en la parte final de la reseña)

En las extras de la película encontramos este esclarecedor testimonio sobre las dificultades que pueden presentarse al buscar la música para una película, y cuál fue el camino para elegir al autor de la misma.