Rock Nacional o Nacional Rock

Tal vez nuestro primer contacto con la música fue la radio. Me gustaba escuchar LRA1, Radio Nacional (República Argentina), en mi adolescencia. En esa época no existían las FM Nacional Rock ni Clásica ni la Folklórica. Solamente una Radio Nacional en AM que transmitía un poco de todo, siendo mi preferencia la música clásica. Con el tiempo cada provincia tuvo su AM propia y luego también FM (en algunos casos varias por provincia).  Hace un tiempo se reestructuraron las programaciones. Así el 30 de diciembre de 2015 se anuncia que “El gobierno de Mauricio Macri resolvió suspender la grilla de una de las FM públicas (Nacional Rock) y pasar música a partir del 1 de enero. Dejan sin efecto 27 contratos.”  (1) Lee también aquí. 

Luego de dos meses sin programación se anuncia la nueva grilla y al nuevo director de Nacional Rock.: Bobby Flores. 

  

Podrás ver la grilla de programación, por si encontrás algo de tu gusto, aquí.

Es curioso que usen como argumento que los artistas deben estar al frente de los programas y nombren como director a un disc jockey de gran fama y poco conocimiento musical. Tal vez parezca que el tipo sabe mucho porque habla de todo, todo el tiempo. Pues no. Son cosas diferentes. No me parecía apropiado  hablar anticipadamente basado en prejuicios sin tener la oportunidad de escuchar esta nueva programación. Decidí darles tiempo a estos que “están aprendiendo sobre la marcha”. Pero llevamos más de un año de esta nueva experiencia y me encantaría que los asiduos oyentes me comentaran si la programación mejoró o no.

Estos son los sueldos de algunas de las personas que conducen programas en Nacional Rock.

Escucha Mozart tocado en SU PROPIO piano

A Fines de Mayo leo en el diario La Nación una nota sobre el piano original de Mozart. No acostumbro transcribir notas de ese pasquín. Pero en este caso me llamó la atención lo breve que era la nota sobre un tema tan importante.
Hace un par de días leo en un Blog amigo esta nota que transcribo y encuentro una notable diferencia. La diferencia entre la manera de comunicar las cosas relacionadas con el Arte y la Cultura que tiene un diario centenario manejado por gorilas y la que tienen los que verdaderamente aman el Arte y la Cultura. Los primeros simplemente plagian un par de datos sin citar la fuente, para llenar un espacio de "cultura" en una publicación hecha con fines de lucro. Los segundos investigan, traducen y enriquecen un tema con el único interés de difundir noticias.

¿Quienes se portan como verdaderos periodistas aquí?

La nota de la página de Classic FM tiene un título por demás llamativo: “Escucha Mozart tocado en SU PROPIO piano”.

Fue publicada el 13 de febrero de 2017 y comunica importantes novedades en materia de Música Antigua (sí, constantemente tenemos novedades en materia de Música Antigua):

"Robert Levin ha sido anunciado hoy como el primer Hogwood Fellow de la Academy of Ancient Music (la Academia de Música Antigua), así que lo filmamos tocando el propio instrumento de Mozart. 

Este es realmente el piano de Mozart. ¿No es hermoso?

Este fortepiano, de alrededor de 1782, fue utilizado por Mozart para la composición y presentaciones a partir de 1785 hasta su muerte en 1791.

El piano fue hecho originalmente por Anton Walter, uno de los más famosos fabricantes de pianos vieneses de los tiempos de Mozart. Es dos octavas más corto que un piano moderno, y es mucho más ligero y más pequeño que los pianos modernos, pesando solamente 85kg. También es mucho más pequeño que un piano moderno - con sólo 2,23 m de largo.

Actualmente se encuentra en Salzburgo, donde el pianista y musicólogo Robert Levin lo está usando para grabar las sonatas de piano de Mozart.

Esa es la música de Mozart en el piano de Mozart, reiteramos."

Agrego que el piano fue restaurado hace más de 20 años y fue usado antes por Alexander Melnikov para dar un concierto en 2012 en Viena. 

Volviendo a Robert Levin...
"Lo filmamos tocando el Allegretto de la Sonata en B flat major (Si bemol mayor), K. 570, de Mozart . Míralo aquí:"

Gentle Giant - Gentle Giant (1970)

Con Gentle Giant me pasa algo extraño.
En mi adolescencia escuchaba sus temas en la radio, y me gustaban. Pero no me atrapaban como pasó con Rick Wakeman, ELP o Pink Floyd. Así que nunca compré ni uno de sus discos. Tampoco lo hizo ni uno de mis amigos. Así que nunca profundicé mi conocimiento sobre su música.

Con el paso del tiempo se convirtieron en un recuerdo perdido en una nebulosa en la que habitan los creadores del rock progresivo. Cada tanto escuchaba hablar de Gentle Giant, pero realmente sin pasión. Eran simples crónicas de esas que la describen como una gran banda, justamente algo casi mitológico, pero los relatores parece que están leyendo un argumento escrito por otros, sin ningún sentimiento (de hecho la mayoría de los que hacen programas musicales no pasan del hecho de ser meros presentadores/locutores). Entonces pasó algo que me llamó la atención sobre Gentle Giant. Leyendo una publicación de un amigo me encuentro con que alguien osó comparar al tecladista de esta banda (Kerry Minnear), con Rick Wakeman, como si de un dios hablara. Mi amigo le contestó que iba a investigar sobre el tecladista a ver si estaba a la altura. Y entonces se me despertó la curiosidad, y decidí hacer mi propia investigación Bueno, hace unos diez días adquirí “Giant on the Box”,  un DVD del año 2005, que compila varios conciertos. Creo que solamente viendo grabaciones de actuaciones se puede apreciar la verdadera calidad de un músico. Al día siguiente adquirí el resto de la discografía, para continuar mi investigación. Por ahora no llego a ninguna conclusión, salvo que eran músicos de calidad, multiinstrumentistas (tocaban una variedad de más de treinta instrumentos). En cuanto a Kerry Minnear no voy a hacer ninguna comparación con Rick Wakeman. Me parece que las comparaciones son odiosas. Solamente diré que Rick sigue sobre los escenarios, y al igual que Minnear es un tipo religioso. Pero en el caso de este último la música la ejecuta en el ámbito privado y en la Iglesia, además de hacer negocios con el material de la banda, por pertenecerle parte de los derechos de autor. He encontrado algo de material sobre su vida actual, que traduciré en un par de semanas.

Pero mientras tanto, para ir conociéndolos, quiero dejarles una nota que me pareció muy bien escrita (aunque no pongo las manos en el fuego por el material de referencia), tomada de la página HISTORIAS DE ROCK - Biografias Y Discografias De Musica Rock

Buscando a la Madre de la Música Electrónica (3ª Parte) Delia Derbyshire

Cuatro trabajadores de efectos de sonido no identificados haciendo su trabajo para un programa de estudio, marzo de 1927 Esto fue 31 años antes de la creación del famoso  BBC Radiophonic Workshop.

Es muy injusto que aquellos a los que beneficiaste con tu trabajo no recuerden tu nombre. Peor es que otra persona se lleve todo el crédito siendo que la mayor parte del trabajo sea tuyo. Tal es lo que le pasó a Delia Derbyshire durante muchos años de trabajo en este taller. Tardaron mucho en darle crédito por la creación de la música para la serie Dr. Who, además de otros trabajos que al día de hoy no se le reconocieron públicamente.
Por eso aunque la mencionamos en al artículo anterior de esta serie decidimos que lo menos que se merece es tener un artículo completo dedicado a ella.

En una época que la que no había sintetizadores de sonido ni computadoras personales una de las técnicas fundamentales que usaban para la elaboración de sonidos era la manipulación de cintas análogas. En esta técnica sobresalió Delia Derbyshire.
Pot au feu es un tema de su disco "Blue Veils and Golden Sands". Fue editado también por la BBC en un disco llamado "BBC Radiophonic Music".

Pot au Feu fue descrita por Peter Marsh como "3 minutos y 13 segundos de jazz angular robótico repleto de incidentes."
Delia la describió como "una martillante, fantásticamente rítmica pista , lo suficientemente inquietante para tener a un monstruo de la velocidad corriendo a la cocina para agarrar los cuchillos para pan."
Además Robin Carmody añade: "Son tres minutos y diecinueve segundos de paranoia y delirio; virtualmente una pista de rave de alrededor del año 1991", (hecha en 1968). Con respecto a este último comentario es notable que muchos de los sonidos creados por Delia  son usados en la música electrónica popular actual. 
Ficha técnica 

Emerson, Lake & Palmer - Trilogy (1972) 2 Cds - DVD-A 5.1 (2015)

Luego del éxito obtenido por la reedición super lujosa de Brain Salad Surgery, la banda Emerson, Lake y Palmer complació a los fans con lo que más quieren al reeditar a comienzos de Mayo de 2015 su álbum Trilogy, de 1972, en versión deluxe. Son 2 CDs y 1 DVD-A.

Jakko Jakszyk, de King Crimson, ha vuelto a tomar los controles para las nuevas mezclas hi-res 5.1 y estéreo, que también incluye una versión inédita de From The Beginning. El digipak incluye un folleto de 16 páginas con nuevas notas y fotos.

Trilogy ofrece un magnífico viaje desde el folk acústico y el jazz futurista, hasta sus raíces progresivas clásicas. Considerado por muchos como su mejor trabajo, es un placer obtener este bien considerado álbum de rock progresivo remixado en sonido envolvente y estéreo de alta resolución.

Selecciona los formatos MLP 24bit / 96kHz 5.1 Lossless o DTS 24bit / 96kHz 5.1, y toma asiento para un paseo increíble. Los tambores de Carl Palmer se precipitan a tu alrededor, mientras que el Órgano Hammond , el Piano, y por supuesto el Moog de Keith Emerson penetran desde todos los rincones de la habitación. La voz de Greg Lake se coloca en el centro y su Bajo emana a través de todos los canales delanteros que llenan la parte inferior en el subwoofer.

Una de sus canciones más conocidas, "From the Beginning" flota desde los canales delanteros hacia atrás con una reverberación cálida que proporciona una profundidad agradable a esta pieza de guitarra acústica. Mientras que la energía primaria está firmemente en la parte delantera, los canales traseros ofrecen una adición envolvente agradable con reflexiones de órgano secundario y ambiente.
"Hoedown" es una experiencia de sonido envolvente magistral que demuestra las habilidades de mezcla multicanal de Jakko Jakszyk. Las diferentes partes de la piezas golpeando al oyente desde todas las direcciones, sin taparse entre ellas, dejando mucho espacio para que cada parte sea escuchada fácilmente. Esto sigue siendo evidente a lo largo del resto del álbum, que cuenta con un sonido limpio y dinámico.

No te digo adiós... te digo hasta luego

Sí, sí, ya lo sé. Habrás visto esta imagen mil veces en estos días.

Mirala bien, porque la seguirás viendo millones de veces más mientras dure tu vida.

Que esa dulce imagen de niña no opaque la imagen de mujer fuerte y luchadora que muchos conocimos. 
Muchos afortunadamente más que otros. Pero no es quien llega primero el que se lleva el premio, sino el que sigue corriendo hasta el final. Y el premio no es para uno solo. 
Es para todos los que sepan apreciarlo. Porque el premio es tomar algo de ese Espíritu de Micaela e incorporarlo a nuestro propio espíritu.

De eso en esencia hablamos cuando la conocí a ella y a sus amigos, de manera casi fortuita, en el verano de 2016.

Teníamos un tema en común: el vivir nuestra juventud en épocas revueltas para la Patria.

En mi juventud los que decían amar a la Patria secuestraban gente ocultando sus rostros con capuchas. Un tiempo inimaginable para estos jóvenes si no se les contaba en detalle, porque entraron a la adolescencia en un tiempo feliz, de igualdad de oportunidades para educarse, bien alimentados y con salud. Pero no tomaron la vía cómoda de la mayoría que como pollos irracionales abren su boca para ser engordados, sin pensar de dónde viene realmente su nutriente, sino muy por el contrario, eligieron compartir de corazón no solamente sus cosas sino también su tiempo, que es lo más valioso que un ser humano puede tener. Mientras otros pierden el tiempo ellos lo ganan compartiéndolo. 

Esta es la Micaela que conocí y estos son los compañeros que la ayudaron a crecer, y a quienes ella ayudó a crecer también.

Buscando a la Madre de la Música Electrónica (2ª Parte) BBC Radiophonic Workshop

Continuamos buscando a la Madre de la Música Electrónica.

En la nota anterior conocimos los primeros instrumentos electrónicos y a mujeres que eran sus ejecutantes. Sin embargo no siempre la música electrónica se ejecuta en vivo a través de una interface tipo teclado de piano, cuerdas, percusión o instrumento aerófono.

Gran parte del sonido electrónico ha sido creado en laboratorios de sonido. Uno de los más famosos fue BBC Radiophonic Workshop (Taller Radiofónico de la BBC), una de las unidades de efectos de sonido de la British Broadcasting Corporation. Fue creada en 1958 para producir efectos de sonido y nueva música para la radio. Se cerró en marzo de 1998, aunque gran parte de su trabajo tradicional ya había sido subcontratado en 1995.

Creaban allí estos nuevos sonidos compositores, ingenieros de sonido y artistas dramáticos que estaban inspirados en la música concreta de Pierre Shaeffer. Pero no eran todos hombres: entre estos creadores se destacaron varias mujeres y vale la pena conocerlas.

Una de ellas fue Daphne Oram, que junto a Desmond Briscoe (reconocido compositor e ingeniero de sonido) fue cofundadora del Radiophonic Wokshop y su primera directora.

Daphne Oram (1925-2003) es una de las figuras centrales en el desarrollo de música electrónica experimental británica. Estudió en el Sherborne School For Girls. Desde temprana edad Oram aprendió piano, órgano y composición musical. En 1942 le ofrecieron una plaza en el Royal College of Music; sin embargo, rechazó esta propuesta y aceptó una posición en la BBC como ingeniera de estudio y también encargada del balance tonal de la música.

En esta foto que fue tomada en 1957, un año antes de la creación formal de la BBC Radiophonic Workshop, la vemos junto a Fredrick Bradnum, escritor del innovador "Private Dreams and Public Nightmares", un "poema radiofónico" experimental sobre el uso creativo de los efectos.

Sin embargo después que Daphne dejó la BBC (en 1959) su investigación, incluyendo Oramics, continuó en secreto relativo. En la foto del encabezado la vemos desarrollando su proyecto, del que hablaremos a continuación.